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El monólogo A mí no me regales flores visibiliza la violencia machista que sufren las mujeres a lo largo de su vida. La protagonista, muestra, de forma sarcástica e irónica, a una mujer maltratada, que podría ser ella como otra cualquiera, a la que le ha sido arrebatada su identidad, a causa de su marido. Una mujer que ha tenido que luchar para salir de la violencia en la que estaba sumergida y a la que la sociedad patriarcal no ha protegido. La síntesis de esta obra es visibilizar lo (fundamental, necesario y vital) que todavía queda por hacer y reclama la igualdad entre hombres y mujeres. Las obras teatrales reflejan, en muchas ocasiones, lo que sucede en la realidad. Se trata de un drama real y cotidiano contado desde la ironía, el sarcasmo y el sentido del humor. Porque sin conflicto no hay drama y sin drama no hay comedia. Y la comedia es verdad y dolor, como esta historia basada en los hechos reales de miles de mujeres en todo el mundo.

La obra se centra en la etapa más conocida del tercer emperador romano, Cayo César, también conocido en la obra teatral como Calígula. Es un personaje un tanto peculiar: histriónico, cruel, reflexivo, vengativo, inmoral o irreflexivo. Como bien se trata en la obra, un “loco” en un mundo de “cuerdos”. La trama consta de un modelo de gobernación que propone el autor para reflexionar, trasladando la inquietud al espectador, sobre la maldad y las consecuencias del poder sin límites éticos ni legales. En la presente Cayo César se presenta con mayor profundidad en el contexto político de la época y como «un hombre que se aferra al abuso de poder para hacer, simplemente, y nada menos, lo que le da la gana, sin el menor escrúpulo. Nada más lejos que una enfermedad mental, ninguna psicosis puede alcanzar a quien está borracho de poder, convencido del carácter divino de ser emperador de una potencia». Teatro, danza y música confluyen en el escenario dando forma a un espectáculo dinámico con un envoltorio sobrio y elegante, compuesto por un trono, módulos, escaleras practicables, arbolitos y un piano, y con un vestuario de líneas clásicas.

El pasacalles ‘Vertumno. Siglos de Risa y Oro”, un homenaje a los cómicos de la época es una propuesta activa de Atakama Creatividad Cultural. Vertumno es el dios romano que personifica el cambio y la mutación de la vegetación durante el transcurso de las estaciones. El pasacalles recrea una comitiva muy floral y llamativa, un disparatado 'cabezudo' representando para la ocasión como lo hizo el pintor Giuseppe Arcimbold en el Siglo XVI, con una cabeza llena de hortalizas. Una actuación llena de emociones y sentimientos, que usa como hilo conductor los ODS para reivindicar la protección del medio ambiente y el consumo responsable, mostrando a los personajes en un entorno de naturaleza que hace constantes referencias a la divinidad de la mujer, que sujeta una hoz con la que cuida sus árboles, y aparece cobijada bajo una vid. La relación de la diosa con la naturaleza hace que el paisaje y los accesorios sea un punto importante de la composición, que vemos en la puesta en escena.

Segismundo Encadenado nace de las vivencias que vivimos durante el confinamiento y, por ello, nos traslada en cierto modo a esa nuestra prisión. Sentimientos entre la realidad y el sueño, entre el desconcierto y la esperanza, surge esta obra de teatro con un diálogo que habla desde la acidez, la ironía de una sociedad convulsa e individualista. El espectáculo está lleno de emociones, es una reivindicación, un grito de ayuda que pide ser escuchado. El personaje, Segismundo, como la mayoría de la sociedad, se vio encerrado en su cueva, con su sombra proyectada en la pared. Desde su hogar, percibe el ruido de día y noche, de los pasos que habitan el edificio o de los olores que hacen sentirnos vivos. Resulta entonces el teatro un fenómeno educativo si tenemos en cuenta que esto último muestra al público los diferentes modos de vivencia durante la pandemia, el actor mediante esta comedia hace elogia a la soledad a través de la dramatización de momentos cotidianos. Esta obra está basada en La vida es sueño de Calderón de la Barca donde se plasma su tiempo de forma magistral. Debido a su formación, el madrileño era un conocedor de los problemas filosóficos, morales, y teológicos que aquejaban a su época. En particular, el interés del escrito era analizar las diferentes concepciones sobre la libertad que existen en el drama de Segismundo, de tal forma que ha sido adaptada a lo vivido durante el 2020.

En la actualidad nuestra sociedad es multicultural y esta realidad está presente en nuestra vida cotidiana donde se refleja, por supuesto, en nuestros centros educativos. Es fundamental basar la convivencia en la aceptación, el respeto y el conocimiento mutuo, como una forma de enriquecimiento personal. Desde Atakama Animación, fomentamos propuestas como guía educativas o talleres especializados en materias para el público infantil para dicho desarrollo. Además, la práctica teatral, como obras teatrales, es otra metodología didáctica activa, permite al espectador ser descubridor de su propio aprendizaje, más que mero receptor de información. Por medio de la acción teatral reconstruimos acciones del ayer a través de manifestaciones artísticas que normalmente suelen gozar del atractivo artístico, como cortometrajes sobre algún tema actual, entre otras. El teatro, a través de recursos verbales y no verbales, ayuda a crear situaciones de comunicación real, reconstruyendo experiencias. Desarrollar prácticas teatrales de carácter grupal, mediante cuentos narrados, por ejemplo, ayuda a plantear reflexiones críticas alrededor de una sociedad abierta, que precisa poner en valor pensamientos e ideas de carácter histórico educativo a través de emociones y sentimientos. Los diferentes métodos de animación fomenta el desarrollo de una pedagógica activa de la expresión y la comunicación, a través de la representación, de obras teatrales en formas de cuentos, tenemos la oportunidad de poner en valor los recursos expresivos de la persona. Por tanto, aplicar formas diferentes en el desarrollo cultural tiene ventajas, sobre todo con cuestiones como las siguientes:

1. Fortalece las relaciones interpersonales, favoreciendo el desarrollo integral de
la personalidad.
2. Estimula el placer por la expresión oral y la lectura, favoreciendo el desarrollo
de habilidades comunicativas.
3. Fomenta la confianza en uno mismo, ayudándonos a superar barreras y pozas
personales.
4. Contribuye a que se exprese aquello que nos cuesta más verbalizar.
5. Favorece la empatía, al ponernos en la piel de diferentes personajes.

La actividad teatral ofrece la posibilidad de aprender dentro de un contexto y un ambiente vivo, compartido y colaborativo, que permite el desarrollo de competencias generales y específicas, además de una mejor representación conceptual y una mayor asimilación de contenidos. El uso del teatro como recurso didáctico también se puede fomentar a través de talleres educativos, reflejando la motivación intrínseca del espectador de cara al aprendizaje, facilitando además la comprensión, la cooperación y el diálogo entre la sociedad, o través de guías didácticas.

El teatro tiene un fin eminentemente didáctico sin perder su estética y procedimientos para la puesta en escena de obras en sus distintos géneros. El teatro se puede considerar cultura, englobando formas de vida de los pueblos y reflejando valores de un momento histórico, social y cultural concreto, a través de obras teatrales o cortometrajes. Por tanto, se convierte en un escenario de mensajes sociales y un vehículo de transmisión a lo largo de los tiempos. Es un espacio de encuentro inter y transdisciplinar, puesto que mediante el teatro se viven conceptos históricos, sociales, políticos, psicológicos, literarios y todo aquello que encontramos en la vida misma. Las capacidades expresivas están en uno mismo, y es necesario entrenarlas para conseguir un correcto desarrollo de ellas. Este entrenamiento no es necesario para convertirse en artista o profesional de la escena, sino porque nuestra capacidad de comunicar. Una palabra, un gesto o el tono de la voz y todos aquellos elementos del metalenguaje son indicadores de lo que comunicamos, ya sea con o sin intención de hacerlo. La comunicación es una característica de los seres humanos. Sin la capacidad expresiva no podríamos relacionarnos con los demás. Por lo tanto, no tendríamos conocimiento de nuestra identidad lingüística. Como sabemos, en el acto comunicativo hay dos sentidos: uno de emisión y otro de recepción. Con las estrategias teatrales en el aprendizaje de lenguas desarrollamos tanto las capacidades para emitir, por ejemplo cuentos populares, como para escuchar.

Si tomamos una obra de teatro, un cuento narrado o un diálogo para ser escenificado a través de la acción, la duración de cada uno de los momentos es variable. Sentir es el momento inicial más importante en cualquier estrategia creativa que pretenda implicar al espectador o al lector en un proceso formativo. Las acciones de pensar y planificar significan dar paso a las decisiones racionales, al proceso de reflexión para generar ideas, organizarlas y plasmarlas de forma pertinente con los objetivos. Decidir qué tipo de recurso será el más adecuado a los destinatarios y su finalidad. Podemos pensar la acción escénica como un relato, un caso, un teatro o un diálogo. Por tanto, es relevante poder representar el mensaje de lo que se quiere transmitir, pensando la acción y planeándola con los recursos que precise. La integración y la trascendencia de dichas acciones son unos pasos más para encontrar sentido y significado a la acción teatral. El alcance puede ser simbólico, como ocurre en gran parte de expresiones artísticas. El teatro, por su propia naturaleza, va más allá de lo contextual y anecdótico. Nos sirve para pensar la realidad en sus diversos niveles y manifestaciones ya que no deja de ser un escenario de representación de ideas, documentos y hechos, emociones, fantasías y exploraciones.

¿Cómo surge? Históricamente la animación surge como una alternativa superadora de
los límites de las salas teatrales, por un lado, y de los de la educación tradicional, por
otro.
Prácticamente a la par que las incursiones de la animación en el ámbito educativo o en
el día a día, como la organización de talleres en horario no escolar en los centros
comerciales, por ejemplo, se empieza a ver diversas acciones de animación
sociocultural en barrios y comunidades de diferentes países europeos que utilizan la
animación como instrumento principal de intervención. Nuestro interés parte de la
base de comprobar cómo el teatro en sus diversas manifestaciones, como es el show-
teatral, se revela como una de las actividades con mayor presencia en los programas
de animación socioculturales.
No obstante, existen otros tipos de animación que desde Atakama se desarrollan. Se
aplica a través de las diferentes expresiones artístico-culturales, tales como la música
en pasacalles o espectáculos, como el de San Jorge en Cáceres, la literatura a través de
talleres específicos. Por tanto, desde el punto de vista cultural, se puede afirmar que
existen diferentes tipos de la animación sociocultural, ya que surge de la intersección
entre dicha función y cada una de las expresiones artístico-culturales sobre las que
aquella se aplica. Por tanto, uno de los rasgos más definitorios de ella es su carácter
procedimental, debido a lo cual esta disciplina no tiene un objeto propio o específico,
sino que se lo aportan los diferentes ámbitos y recursos en y con los que se aplica.
Cuando la animación recae sobre el teatro, se convierte en su instrumento.
Por tanto, el punto de partida de la animación puede ser diverso, pero todos tienen un
fin, la capacidad motivadora y las posibilidades socioeducativas para poner dicha
manifestación artística al alcance de todos, mediante estrategias participativas, lúdicas
y grupales. De este modo, las funciones de la animación cumplen su propósito y se
dirigen a motivar a la población hacia las actividades, talleres, acciones para dicho

público infantil, educando su sensibilidad y capacitando el sentido crítico,
contribuyendo, en definitiva, a desarrollar una demanda cultural que garantice una
buena aceptación y un óptimo aprovechamiento de la oferta existente, mediante la
creación de un público formado y exigente. En síntesis, esta perspectiva instrumental
de la animación posee los siguientes objetivos:

1. Educar un público culto y crítico en relación con el teatro, mediante campañas
de asistencia a espectáculos.
2. Promocionar las actividades de animación mediante la potenciación de la
demanda entre la población, a partir de la práctica y de la formación con fines
educativos, recreativos o vocacionales.
3. Desarrollar la innovación mediante la investigación en la creación de nuevos
lenguajes y nuevas relaciones actor-espectador, el aprovechamiento de nuevos
espacios dramáticos (la calle, el grupo, el barrio…) y la experimentación con
nuevas técnicas y formas de animación (talleres específicos, espectáculos de
noche, improvisaciones…)

Definimos la animación teatral como el conjunto de prácticas socioeducativas con personas, grupos o comunidades que, a través de metodologías se generan procesos de creación cultural y se persigue el empoderamiento de los propios participantes. A lo largo de la historia, el teatro y la animación han estado junto a la cultura, pero fuera de ella. Por eso, esta misma exclusión ha obligado a desarrollar la gran versatilidad que ambos despliegan en sus manifestaciones y prácticas. La cultura de hoy es definida como cultura vital, cultura de vida y no solo cultura artística. El nuevo modelo se actualiza a través de los denominados procesos de creación cultural, que se basan en la idea de que la cultura no es algo que únicamente las elites o los artistas pueden producir o crear, una compañía ya puede crear/organizar/producir actividades de índole como pasacalles, desfiles, espectáculos y animaciones infantiles. La creación cultural constituye un proceso colectivo de producción que, desde el bagaje cultural y tradicional de una comunidad y a través de la participación de sus miembros, procura generar nuevas actividades o procesos, situando a esa comunidad en una línea de avance y de progreso, contribuyendo a una mejora sustantiva de la calidad de vida de su sociedad. Desde los primeros años de su vida, los niños repiten las acciones que observan en su entorno e imitan lo que hacen los adultos y sus compañeros. Esto les sirve para ensayar conductas y para poner a prueba sus capacidades. La imitación es, principalmente, una acción individual que no demanda necesariamente la presencia de los otros, para su realización. La representación, por el contrario, es una acción social: la persona imita a un modelo o realiza una acción cualquiera, pero siempre delante de otras personas que observan lo que hace. Ésta constituye la condición básica para poder hablar de animación o espectáculo. La situación se podría definir como: A personifica a B mientras C lo mira. Para que se produzca una situación de animación, en concreto, se necesitan, como mínimo, dos personas: una que representa y otra que la mira. El objetivo de nuestras actividades de animación es enriquecer a las personas en uno u otro sentido, y la mejor forma de hacerlo es implementando su capacidad de relación

con el mundo sociocultural que las rodea, descubriendo, aprendiendo e integrando el mayor número de registros expresivos y comunicativos posible. Por tanto, la animación sociocultural busca que las personas se encuentren a sí mismas en la interacción con los otros; que descubran aspectos ignorados de las propias personalidades y que aprendan a rentabilizarlos en términos de mayor felicidad y equilibrio personal o interactivo; busca que aprendan a auto organizarse para afrontar un problema colectivo. En definitiva, es considerado como espectáculo tanto al que asiste como al de creación autónoma de un grupo, ya que influye a que las personas salgan de su pasividad, que se pongan en acción y que asuman o recuperen su autonomía constituye el camino metodológico que el teatro proporciona para conseguir los objetivos que persigue la animación sociocultural.

Producción significa llevar a cabo uno o varios procesos para elaborar un producto mediante el trabajo. Puede ser de carácter cultural, como bien lleva a cabo Atakama, los cuales requieren de un sistema de organización y ejecución específica. Por resumir brevemente, el producto que resulta de este trabajo es la película, el programa de televisión o el video. En la producción audiovisual se debe desarrollar un sentido creativo, para integrar tanto recursos humanos, como técnicos y económicos, con el fin de realizar un producto audiovisual, una obra única, que cumpla con un o varios objetivos: puede ser artístico, de entretenimiento, documentación histórica, etc., pero siempre relatará una historia, es decir, tendrá un mensaje. Este trabajo colectivo ha ido cambiando y creciendo, debido a la evolución que ha presentado la producción audiovisual con el paso de los años. Al principio, no se requería tanto equipo técnico ni humano para filmar una película. Con la llegada del sonido al cine, por ejemplo, se integraron especialistas para registrar y posteriormente editar el sonido de las películas. A diferencia de lo fácil que se ve en pantalla, la empresa encargada de la labor de la producción audiovisual no sólo se basa en administrar los recursos económicos y técnicos, el papel va mucho más allá: Atakama es organizada, con conocimientos del lenguaje audiovisual, creativa, capaz de resolver problemas y sensible en el manejo de equipos de trabajo, pues se ve reflejado en los trabajos que hemos realizado en este sector como el spot de Extremadura sobre la presentación de la equipación C.P Amanecer. Para llevar a cabo proyectos de tal calibre, la producción audiovisual se divide básicamente en tres etapas de trabajo: preproducción, rodaje y postproducción. Por tanto, nuestra labor y responsabilidad es propiciar todos los elementos y recursos para generar un trabajo de calidad, poniendo en práctica toda nuestra experiencia y creatividad en consolidar el esfuerzo colectivo, cumplir con los tiempos y resolver los contratiempos que se presenten durante el periodo de realización del proyecto.

Y, finalmente, no menos importante, tiene lugar la visualización, que se vea y tenga una audiencia. Sin importar el origen del proyecto o su esquema de producción, lo importante es que pueda ser apreciada y tenga un público.

Los espectáculos en vivo se pueden presentar en múltiples espacios, tanto en calles, plazas, casas particulares, iglesias, bares y hasta lugares de reunión social, incluyendo los espacios construidos específicamente para este fin. Estas estructuras, que llamaremos genéricamente salas de teatros, pueden tener características espaciales muy distintas: tamaño variado, escenarios fijos o móviles o la distinta ubicación del público respecto al escenario, entre otras opciones. Lo mismo ocurre con los equipamientos técnicos: salas muy sencillas coexisten con otras ultramodernas equipadas con sofisticados sistemas escenográficos, acústicos, de iluminación y de sonido, de seguridad o de climatización. Los cambios de hábitos en la sociedad, junto con la aparición de nuevas formas de comunicación y entretenimiento como el cine, la televisión o internet, con las posibilidades de la interacción digital, han incidido sobre los procesos de gestación, construcción y entrega del espectáculo en vivo. Conseguir un sitio a la creatividad cultural teatral ha sido complicado, por un lado el público es cada vez más exigente y obliga a la modificación de formatos, como vídeos spot de tiempos cortos, contenidos y valores; por otro, las nuevas necesidades de expresión e innovación nacidas en el seno del propio mundo escénico son siempre un dinámico motor de cambio y transformación. Otro factor que debemos tener en cuenta es la competencia que existe con alternativas ofrecidas para el tiempo de ocio o de desarrollo personal. Una forma de entender el funcionamiento de los teatros y las obras de teatro en sí es como espacios donde la representación escénica toma sentido, donde participan más de una organización. El rol principal del equipamiento “teatro” es la exhibición, pero dependiendo de su misión, capacidad y recursos, puede contribuir asimismo en las demás funciones, en particular la producción de espectáculos. Hoy en día, los festivales y los teatros cumplen una misión prescriptora en la medida que su programación conforma la oferta de espectáculos escénicos a disposición inmediata de la población. Por esta razón, la variedad y calidad de la oferta escénica determina, a mediano y largo plazo, el capital escénico de una comunidad y su disposición a aceptar o exigir una programación determinada, por ejemplo, más tradicional o vanguardista, como más demanda de obras de teatro para adolescentes. En aquellos lugares donde el número de teatros y espectáculos es muy reducido, la selección realizada por los respectivos programadores es la única a disposición de un público que sólo ocasionalmente puede desplazarse a otras ciudades. En las grandes ciudades, la existencia de un mercado de exhibición más amplio, especializado y competitivo permite un mayor grado de opción.

Junto a las barreras impuestas por una oferta local limitada, existe asimismo una barrera de tipo económico que afecta a las obras de teatro en espacios de interés turísitico, como el Festival de Teatro Clásico de Mérida. La diferencia entre el costo de producir y exhibir un espectáculo y la parte proporcional que paga cada uno de los asistentes al mismo vía precio (de la entrada, consumos indirectos, etc).